Esta obra es de carácter constructivo, geométrico, con figuras simbólicas, y una composición final interactiva, y por tanto aleatoria.

Los trabajos fueron desarrollados a partir de una estructura rigurosa, según proporción áurea, que permitirá un armado de los cuadros posibilitando la intervención del espectador, en la composición final de la imagen. 

Una intención estética de “utilizar” las tradiciones del arte, el arte indoamericano, del arte popular de nuestro continente, - con las interferencias propias de nuestra época- , en una obra abierta, con posibilidades variadas, diferentes, inesperadas.

Nino Patrone

Tras una larga ausencia de nuestro país, retornó a Montevideo el Arq. Luis Patrone, y en los próximos días inaugurará una exposición de sus obras.  La misma, se integra con obras que van desde lo que llama el período del Uruguay "helénico" hasta hoy.  Su experiencia brasileña, sus orígenes y su pensamiento, motivaron la siguiente charla.

- ¿Cuál fue su experiencia en el ambiente pictórico de San Pablo (Brasil)?

Considero este ambiente complejo y bastante contradictorio, porque por un lado se tiene toda la pintura que se desarrolla a través de las galerías, con un fuerte carácter localista, en la valoración y aprobación del pintor paulista, y por otro lado, las grandes exposiciones internacionales (como La Bienal) que traen "la vanguardia" de los países desarrollados y la adhesión incondicional de los jóvenes buscando una rápida notoriedad, dejando de existir la Bienal Latinoamericana de vital importancia.  Es muy grande, también, la influencia de Estados Unidos (USA).  El ideal de la mayoría de los jóvenes es exponer en New York.  Yo, latino, americano de alma y de convicción y tratando de resistir al colonialismo cultural, tengo el espacio reducido dentro de ese panorama, pero reconozco que Brasil y, especialmente, San Pablo, está abierto para recibir todas las propuestas significativas.

- ¿Qué pintores influyeron en su obra?

En el caso mío y sin lugar a dudas, es el Maestro Torres García.  Influyó de una manera fundamental.  Integrar el taller, leer su vastísima e iluminada obra y comprobar en ella toda su teoría desarrollada en lecciones de arte magistrales, es un privilegio único que hemos tenido los uruguayos y que yo he tratado de aprovechar.  La última exposición de José Gurvich, de quien fui amigo, me impresionó tremendamente y para hablarle de un pintor extranjero, le diría Marc Chagall.

Las Tendencias Contemporáneas

-¿Cuál es su opinión sobre las tendencias contemporáneas y en ellas, en cuál se incluye?

No soy "letrado" en vanguardias y, además, desconfío de ellas.  En este momento, en San Pablo conviven todas las tendencias imaginadas, con un fuerte espíritu revisionista y utilizando lenguajes pla´sticos ya transitados en el pasado pero con una óptica actual.  En cuanto a su pregunta de cuál sería la tendencia a la cual estoy afiliado, le respondería como Borges "Esa pregunta no la sé".  Trato de que mi pintura sea "pintura" y "contemporánea".

- ¿Por qué pinta?

Primero y ante todo, porque me gusta.  Tengo una fuerte inclinación hacia las artes visuales, y la arquitectura, pero es dentro de la pintura donde me siento más libre, donde siento todas las posibilidades de expresión individual y sin condiciones, una gran libertad de creación.  Utilizo todas las técnicas posibles, óleo, témpera, tierras, pastel, collage, etc.  todo sirve, pero luego, lo único que importa verdaderamente es el resultado.

Del Uruguay Helénico a Hoy

-¿Qué significa para Ud. esta primera exposición en Montevideo?

No podía ser en otro lugar.  A pesar de estar radicado hace 10 años en San Pablo, tengo siempre "los ojos y el corazón" puestos en mi ciudad.  A partir del año 1968, cuando se produce la "quiebra total" de aquel Uruguay helénico, en el cual yo había desarrollado mis ideas, loas que quedaban sin sustentación.  El contenido de la obra, su valor testimonial, o su valor artístico, quedan bajo la apreciación de los observadores cultos para su "juicio final".  Yo simplemente hice algo que creí era imprescindible hacer, y exponer a mis compatriotas.

Joaquín Torres García
Figuración y abstracción
Arq. Luis Nino Patrone - HISPANIA Editora - Revista 1 

Joaquín Torres García, uruguayo (1874-1949). Trabajó obstinadamente para realizar una pintura abstracta y constructiva sin olvidar la figura. Fue el gran destaque en la 22ª Bienal de São Paulo (1994). 

Desde el comienzo de su carrera, en Barcelona, en el año 1891, hasta sus últimas obras en Montevideo en 1949, que abarcan 58 años de trabajo, incansable y sin claudicaciones conceptuales y estéticas, la obra de Joaquín Torres García consigue siempre el máximo nivel artístico en todas sus etapas de creación.  

Es muy común lo contrario, o sea, descubrir, en una retrospectiva de un pintor de gran nombre como artista abstracto, que los períodos iniciales de carácter figurativo son de poca calidad artística, lo que hace pensar, si ese abstraccionismo, surge por la imposibilidad de una expresión decente a través de la figura. Joaquín Torres García. Comentando la obra de algunos de sus contemporáneos y grandes maestros abstractos nos dice enfáticamente:
“Kandinsky y Mondrian... Malísimos pintores en la pintura tradicional de siempre, inventan un arte a base de intelectualismo...” (1)

Y luego dice, refiriéndose a los movimientos de abstracción pura:

Para Torres García, estos movimientos tienen en sí el germen de la esterilidad, porque están basados en la razón y el intelecto y no en el espíritu, que, como veremos más adelante, el espíritu es para él, el fundamento de toda arte verdadera.

El maestro uruguayo, al contrario de estos ejemplos, muestra siempre una innegable maestría a través del tiempo, y la razón de esta homogénea calidad en su obra, está basada en sus fundamentos conceptuales y teóricos.  

Torres García observa que los grandes períodos del arte occidental coinciden con un arte más constructivo y abstracto y nos dice al respecto:

“Todo verdadero arte es constructivo”.

“Todo verdadero arte es abstracto”.

 
“Por esto decir pintor y constructor, tendría que ser lo mismo. Éste es el constructor plástico, después hay el constructor músico, el constructor poeta, el constructor arquitecto y el constructor escultor y todos estos artistas constructores entonces están en lo abstracto”.

“Cada artista , en su arte, puede construir de muchas maneras...” (3)

Para Torres García, estar en lo abstracto no quiere decir en lo no figurativo. Para él, toda la gran pintura de la humanidad pasa por la síntesis de la abstracción. En pocas palabras: sea figurativo o no, el arte ha de ser abstracto, pero de una abstracción sensible y no una abstracción fría, pura, esquemática, dibujada o pintada con la perfección de la máquina y de apariencia mecánica. Lo que propone Joaquín Torres García es, a través de una geometría orgánica, expresar la idea de las cosas, la idea del triángulo, del círculo o del cuadrado, pero siempre la “idea” y no la realidad exactamente geométrica, del triángulo, del círculo o del cuadrado. Quiere que el artista exponga su sensibilidad a través de su caligrafía y en la búsqueda de lo que él llamaba “calidades plásticas”.

El artista ha de proceder en forma sintética y no analítica. Analítico es el arte nórdico-europeo y nórdico-americano, basado más en la razón y la inteligencia que en el espíritu o el alma.

Y nos dice al respecto:  

... “por oposición a las gentes nórdicas (nórdico-europeo), que hemos de considerar artísticamente nuestros enemigos, oponemos a su crudo materialismo nuestra verdad y realidad única: el espíritu. (3)

Torres García es un espiritualista y cree fervientemente que el arte procede del espíritu del hombre y nunca de la razón o inteligencia. Dice al respecto:  

“Lo racional” o matemático, lo analítico nos está empobreciendo miserablemente. Por esto ahora, yo proclamo, que la última realidad y verdad nuestra es el espíritu.” (4)

“Si la verdadera realidad es el espíritu, hemos de vivir en él y para él. Y así, más cierto que la historia, es el mito, la leyenda; y la intuición más cierta que la percepción intelectiva y que la especulación racional. Por esto, cuando nos cuentan de santos y milagros, de animales fabulosos y cosas por el estilo, son tanto o más ciertas que los acontecimientos de la vida material pues son verdad para el espíritu.” (5)

Construcción y abstracción son conceptos complementarios, no se puede ser constructivo sin ser abstracto. Y es con este par de conceptos que Joaquín Torres García analiza el arte occidental a través de todos los tiempos, observando que este binomio conceptual produce los mayores ejemplos de arte universal.

Para él, el arte constructivo es en general, aquel arte que se manifiesta a través de una voluntad clara de construcción.  No necesariamente ha de ser un arte basado en una geometría pura.  Pero sí ha de ser un arte basado en una clara visión formal de sus partes en relación con el todo.  Es, además, un arte de relación, o sea, sus partes han de estar relacionadas, lo que no quiere decir interligadas o unidas, y esa relación ha de estar regulada solamente a través de un sentimiento estético y sensible.  Que el arte pertenezca al campo de la sensibilidad y no al campo del intelecto, hace que el mismo haya tenido variaciones insignificantes a través del tiempo.  Si no sería imposible emocionarnos con la “Cabeza de una joven” - Tebas (Egipto) 1425-1415 A.C (fig. 1); con los mosaicos de “La Emperatriz Teodora”- siglo VI D.C., San Vitale en Ravena (fig. 2); o con los murales de la Edad Media “Martirio de San Sebastián” en Lérida (España) (fig. 3), o con las “Señoritas de Avignon” - 1907 - de Pablo Picasso (fig. 4), o con la “Cabeza de Hombre”- 1939, Joaquín Torres García (fig. 5); o con la “Máscara con dientes”- Joaquín Torres García - 1928 (fig. 6).

Todas estas creaciones, tan distantes en el tiempo, realizadas en circunstancias históricas tan diferentes y creadas dentro de una línea de sensibilidad semejante nos llevan a descubrir que FIGURA, ABSTRACCIÓN Y CONSTRUCCIÓN, son conceptos compatibles. Se puede ser figurativo, siempre que se sea abstracto y constructivo a la vez.

El arte constructivo es un arte formal y se opone claramente al arte informal, al arte romántico, con sus mensajes y alegorías, al arte naturalista, con su pretendida imitación de la realidad y a todo arte explicativo y temático, con propósitos intelectuales y/o propósitos subjetivos.  Es un arte que busca lo finito, lo estático, contrario al arte cuyo objetivo sea lo infinito o lo dinámico.

El arte constructivo tiende a la objetividad, es un arte sensible pero no emotivo ni emocional. Persigue a través de su despojamiento, un contenido metafísico y espiritual.

J.W. Goethe (1749 - 1832), en su genial inteligencia, observa dos actitudes del artista frente al cosmos: una, viendo y sintiendo al mundo como una realidad finita, y otra, como una realidad infinita.

El instinto creador del hombre se mueve entre dos polos, dos modos diferentes que pueden distinguirse con los nombres de imaginación intuitiva o imaginación constructiva.

Podríamos concluir, entonces, que el “Constructivismo”, tal como lo concibe Joaquín Torres García, más que un “ismo”, es una de las dos corrientes posibles del espíritu creador del  hombre. Creemos que esta idea torresgarciana involucra, necesariamente, la idea de abstracción y que no excluye de ninguna manera la idea de figuración. Todo el análisis sobre el arte universal que realiza Joaquín Torres García, trata de demostrar esta tesis: la de que figuración, abstracción y construcción son los pilares en los que se asienta el gran arte universal.

1) Mística de la Pintura J.T.G  pag. 21
2) Mística de la Pintura J.T.G  pag. 18
3) Mística de la Pintura J.T.G. pag. 7
3) Mística de la Pintura J.T.G. pag. 74) Mística de la Pintura - pág. 455) Mística de la Pintura - pág. 71) Arquitectura Moderna - Walter Curt- Behrendt

4) Mística de la Pintura - pág. 45
5) Mística de la Pintura - pág. 7
1) Arquitectura Moderna - Walter Curt- Behrendt

La creación artística es uno de los medios simbólicos idóneos para recuperar todo cuanto se pierde en una instancia de emigración, evilio o destierro.  El orbe todo del arte se convierte en un venero que suministra elementos para cancelar las heridas inevitables, los traumas no siempre visibles ocasionados por circunstancias como las enumeradas.

La obra presente de Nino Patrone, pintor uruguayo radicado desde hace años en San Pablo, con vínvulos nunca cortados con Montevideo (sus paisajes, sus vivencias, son elementos que vuelven constantemente a inspirarlo y constituyen lo medular de su mundo expresivo).  Lo dicho puede verificarse en la presente muestra estructurada en tres módulos fundamentales:  "Partida", "Recuerdos", "Reconstrucción de mi ciudad".

Lo novedoso en la propuesta actual de Nino Patrone es cierta entonación que denota una concepción lúdica del arte jugado "con la misma seriedad con que un niño encara sus juegos" (Justo Adonis Verdugo dixit, glosando una cita de Borges referida a una expresión de R. L. Stevenson).  Dicha concepción es notable en la invitación que cada obra demanda al espectador de intervenir en su estucturación final, en su armado, cuyas permutaciones pueden ser variadas, numerosas.

Todo esto se resuelve en una actitud premeditada del artista quien en ningún momento deja de pensar en la "interactividad" obra/contemplador como una forma de dinamizar las relaciones entre el público y la propuesta artística, relaciones cuya inmutabilidad parecen ser signo del arte de la pintura:  la obra cumplida, por un lado y el espectador pasivo receptor de sus detalles, por otro.

Lo dicho queda claro ya desde la obra cuya matriz es el "Cristo yacente" de Mantegna, fragmentos de cuyo escorzo participan de un ámbito paisajístico urbano, fragmentos elegidos entre los más dramáticos y adoloridos:  el rostro, una mano y un pie yagados, torturados.  La composición de esta obra puede variar en tanto el observador intente ubicar esos fragmentos/citas en los lugares que desee pues cada uno de los tre módulos posee su autonomía expresiva.

El hallazgo de Nino Patrone se va incrementando para culminar en la serie "Reconstrucción de mi ciudad" donde cada obra es una invitación a la "interacción", pues plantea enormes planos que pueden integrarse de maneras diferentes a la superficie "pintada".

Más allá de ello que no deja de ser un atractivo adjetivo, formal, pero con cierto contenido discursivo, el proponer de manera simbólica, naturalmente, que toda escoriación del exilio o la emigración puede ser reivindicada según se focalice su incidencia, según se metabolice su trauma, hay en estas postulaciones de Nino Patrone toda una carga de "pintura uruguaya" observable en la rigurosa estructuración sobre la base de la sección áurea (grata herencia de su pasaje por el Taller Torres García);  en la esquematización de las figuras:  cada una convertida en una especie de micro-cosmos que contiene otras figuras, otros paisajes;  en la utilización de una paleta tonal fácilmente vinculable a las enseñanzas del Taller Torres-García.

En esta exhibición tan rescatable e interesante es notoria su vocación por ritualizar toda una ceremonia para determinar la cancelación de los olvidos y reactivar la vivacidad de los vínculos nunca totalmente lateralizados y siempre pulsando hasta configurar esta tácita y pudorosa elegía por una ciudad, es más, por el recuerdo de una ciudad.

LA MEJOR MUESTRA DE LA SEMANA

"Seguiré Ahondando en Los Símbolos Humanos..."

Una retrospectiva que abarca 1968-1984 exhine en la Galería de Arte "Portón de San Pedro", el pintor uruguayo que radicara en Brasil por años Luis Patrone.

Una línea que encuentra en el ritmo una razón compositiva de marcada búsqueda estructural.  De sus primeros trabajos natualistas, el artista fue evolucionando, ratificando cada vez más esta certera modalidad, que le es personal, a pesar de tener, por supuesto, antecedentes, en el cubismo y otras faces como el expresionismo, donde en algunas telas se explaya con un sentido especial del grotesco.

Su experiencia le ha dado la facultad de redimir y llevar a cabo una feliz realización con ejecución impecable.

De todo ello se descubre que Luis Patrone, que es además arquitecto, reúne todas las virtudes par aimponer una versatilidad que, sin salir de su temática, logre rasgos de importante criterio plástico.

La densidad que alcanzan algunas telas, tiene la virtud de hacer sentir el poema del misterio.  La luz que deja contornear en algunas de las motivaciones, frecuenta esa vitalidad íntima, que es fruto de una gama continuada, rica en su rigurosa escala de valores.

Ritmo

Ese ritmo que destacamos en principio y que alcanza tonalidades de distintas calidades, dan el cuadro la relación entre sus planos, que alcanza a fructificar en el total, sin dejar perder su fuerte contenido.

Existe imaginación, principal argumento de esta realidad mental que es asimilada por el artista.  Puede que de un aspecto naturalista, alcance la superficie tersa de sus espacios, sin contar para ello con otros medios que no sean el óleo, su pintura favorita y única en la exposición.

_"Busco, puliendo la realidad, el simultaneismo." "Me asombran los hechos imultáneos que ocurren en la vida".

"Pinto a veces pensando históricamente dramáticos motivos superpuestos a lo cotidiano y banal" (nos dice Patrone).  Se reflejan aglomeración de figuras de símbolos y transparencias.

Le preguntamos por la pintura en Brasil.

-  La pintura en aquel país predomina lo corriente, conviviendo todas las vertientes imaginadas.  De la ultra vanguardia, hasta la más decadente.

Repetimos que algunos de sus cuadros sostienen una entrada al expresionismo.  Esto se revela en figuras que no pierden la mención de la realidad, pero son transferidas hacia la meta de un nuevo destino, del que se recuerdan en la historia del arte moderno desde tiempo.  Pero al renacer de tal escuela o tendencia, supera día a día la facultad creadora.

No ha podido escapar a ello el pintor y aunque en menos variedad y cantidad, exhibe tal versión de su mundo interior, que provee la escala de una exaltación de la figura.

Lo Razonado

Luis Patrone pasando por dichas experiencias que logran indudablemente resultados sensiblemente ajustados a su carácter, vuelve a lo suyo, a lo que mejor se aviene de su personalidad.

Y en esa pintura de composición razonada, que prueba en varios temas un especial estado de ánimo.  Existen en la muestra piezas de gran valor.  Una entonada en verdes (el artista ha dejado con buen criterio los títulos de lado) y azules con pátinas doradas por la luz, envuelto y con ese halo de "duende" que es factible marque el artista con su ritual más íntimo y elevado.  Como una serie van asomando paulatinamente otras obras de aliento.  Que justifican su búsqueda que prosigue en la misma dirección.

-  ¿No ha pensado cambiar?

No podría decirlo, pero creo que seguiré en esta senda, ahondando aun más, la proyección de mi estilo, que me agrada y siento.

-  Teneindo en cuenta que ante telas de mayor dimensión ha tenido elpintor que tratar con lo espacio, se nos ocurrió preguntarle qué piensa de la pintura espacial, tan traída por muchos artistas y dejada por otros, cuando aun se veían condicionantes para proseguir.

No pienso en la pintura espacial, porque estoy muy consustanciado con la realidad latinoamericana.  "No tengo otro interés que lo que ocurre en América".

-  Y es ciertamente lo que Patrone maneja con subida y limpia ejecutoria.

Con una dinámica que no es ampulosa ni se sirve de artificios para dejar la meditación humilde y realizar cosas impactantes.

Lo que crea es más.

-  ¿Qué cuadros representan más su teoría?

Trabajo generalmente sobre bocetos y luego cree en las telas definitivas.  Muchas veces sobre el camino, voy cambiando la tesis de mis primeras instancias, e identifico la composición con otra idea que aparece mientras pinto.

El Símbolo

A esta altura tendríamos que hablar del tema.  Ellos son más acreditados a fervor imaginativo, a su fantasía, que a la realidad directa.  Esta promueve el motor sensible que determina su misión creadora.  Pero cambia fundamentalmente cuando es sujeto a la estructura compositiva-rítmica.

El tema parte, como decimos en principio, de una base naturalista, o mejor real.  Pero sus signaturas descubren la figura humana como principal elemento que conjugara el lenguaje más propicio para hacer sentir la fuerza y la amalgama de todo un universo que configura a veces alternándose, otras martinándose y más enlazándose entre sí para diagnosticar ese mundo propuesto por el pintor.  Por momentos afloja su rigidez en el ritmo geométrico y suelta el color y el dibujo hacia aquella modalidad más liberada.

Pero jamás deja de ubicar la figura en su lugar, ni detestar ninguna fórmula que le aleje de su aporte plástico-humanista.

"Seguiré buscando en esta línea, con nuevas expresiones y símbolos quizás.  "Porque pienso que hay mucho que hacer todavía..."

El Arq. Luis Patrone, radicado en San Pablo desde 1974, presenta ejemplos de su hacer que van desde 1968 a 1984.

Formado en el Taller Torres García, al que ingresa en 1958 (luego de haber estudiado expresión plástica con Elsa Carafí y dibujo y pintura con Vicente Martín) las obras revelan la sólida formación asimilada y la libertad con que le es fiel sin sumisión, no cae en la inocua repetición de las investigaciones ya agotadas por el maestro, sino que toma conceptos fundamentales (color, luz, tono, estructura, medida) y los reformula de manera personal, logrando una gestión convincente y digna, en la que debe destacarse la personalidad de la propuesta.

El tema del hombre sometido a su medio ciudadano es el que la nutre de modo recurrente.  En la serie del 68, es ya evidente su manera de plantearse el cuadro como un mundo lleno de figuras que se interpenetran o transparentan, al punto que fondo y forma casi se funden para constituir un entramado en el que prima la estructuración, que queda como por encima de los temas, imponiendo su rigor a la mirada.

Esta atención a los valores puramente plásticos de la estructura se alía a la paleta (notoriamente más alta de lo que es habitual en la ortodoxia torresgarciana) depurada del peso de blancos y negros puros, que pueden convertirse en un latiguillo formal para resolver problemas y elaborada sobre la base del trabajo con los colores complementarios que le permiten conseguir grises y negros ricos y sensibles.  La suya es una pintura que utiliza el color en sus calidades lumínicas, así pueden apreciarse obras en las que la fuente de luz surge del color modulado en diversas cadencias.

Sus paisajes de la época montevideana, muy libres de concepción, se expresan por medio de diferentes gamas:  violetas, rosas y por el tono lírico que logran.

En la época brasileña (óleos pastel -trabajados hasta conseguir transparencias y vibraciones cromáticas-, tierras aplicadas con soplete y óleos) hay que particularizar aquellas en las que Patrone trabaja en varios planos (aplicados sobre la superficie para crear compartimentaciones y niveles) que ya venía trabajando en el puro plano.

Una de esas obras que incluye un troquelado, alusión a una especie de abismo del que escapa, arrastrándose, una columna de personas que son prensadas por otros dos planos que evocan la ciudad a modo de frías cristalizaciones grises.

El tema de la ciudad que descansa sobre los hombros del hombre (así aparece, literalmente, en un cuadro) toma impulsos dramáticos cuando se la ve como un amontonamiento de casas, estibadas una sobre la otra, con ausencia de hombres, desoladas y plenas de filos y aristas.

Luis Patrone capta muy espontáneamente el clima cromático de su entorno;  su serie realizada en Brasil es elocuente de la atmósfera colorística de ese país:  aparecen verdes luminosos y rojos, siempre manteniendo el pulso del tono.

La calidad estrictamente pictórica de Luis Patrone se aprecia en los retratos, que demuestran su dominio del oficio, que sabe dónde poner un énfasis o resolver unplano por medio de manchas.  Un algo de ironía y sarcasmo flota en estos retratos, así como lo dramático asoma en alguna obra que muestra figuras rojas fragmentadas sobre un fondo de ciudad.

Los temas de sus óleos-pastel aportan una variación, en ellos aparecen máscaras entre perfiles urbanos, máscaras con alusiones animales.

La austeridad y hasta el despojamiento se pueden constatar en la obra de este pintor que rescata con personalidad y renovación lo mejor del Taller Torres García.

Quería exponer en Montevideo, la ciudad en que nací, y recién ahora lo hago, indica el arquitecto Luis Patrone.  Y su obstinada reserva de revelar a la luz pública su obra pictórica, nacida a fines de la década del 60, y enriquecida en su voluntario ostracismo en San Pablo, es como su actitud vital -como su obra misma-, el pliegue y el reverso de una página poética:  Nunca expuse en forma individual y cuando lo he hecho ha sido en exposiciones colectivas de San Pablo, reconoce, y me fui postergando, porque entendía que lo que había hecho no era digno de salir en una muestra individual, porque acá había muchos maestros en pintura que ya habían dicho todo lo que tenían que decir en pintura.

Cuando habla de sus comienzos en el terreno plástico no duda en recordar:

-  Comencé a los siete años, en el 42, una experiencia inolvidable con Elsa Carafí de Marchand, en el Taller de Expresión Plástica del Parque Rodó.  Y digo inovidable, porque Elsa Carafí creaba un mundo fantástico dentro del mundo de la plástica, basado en la pintura y en la escultura, al utilizar arcilla, plasticina y tierra de colores.  La tierra de color es algo que me acompañó toda la vida.  Y muchos de mis cuadros los hice con tierras de colores y con cola elaboradas por mi especialmente.

En el 51, al cumplir los 16 años, Luis Patrone estudió dibujo y pintura con Vicente Martín.  Amplía esa labor con la decoración mural, del 58 al 62, al ingresar al Taller Torres García:  "Allí hice muchas figuras, muchas naturalezas muertas, recuerda ahora, y me fui postergando, porque entendía que no podía salir a una exposición individual, porque aquello no era digno de exhibir".

Ya antes de recibirse de arquitecto, en el 64, Luis Patrone había incursionado en la escenografía:  "No sólo hice los bocetos de "Los bajos fondos", de la obra de Máximo Gorki, para el Teatro Universitario, sino también la construí", cuenta.  Y admite:  "Y esa experiencia la recuerdo con mucho cariño ya que el espectáculo dirigido por Giustino Marzano, fue el fracaso más grande que vi en mi vida". 

 Su preocupación por crear lo llevó a hacer otras escenografías y vestuarios, para otros espectáculos, como Alto alegre, de Zabala Muniz, y para la ópera La traviata, de Verdi, en el Sodre. 

 Antes, en el 65, había ingresado en el Ministerio de Obras Públicas, como arquitecto para trabajar en obras de recuperación de edificios de valor histórico:  "Hice restauraciones de museos como la casa de Luis Alberto de Herrera;  en la casa de Garibaldi y en la de Zorrilla de San Martín", enumera.  Y admite:  "Había pedido los museos de arte para preservar, para poder estar adentro y ver la pintura, porque esos ambientes me gustaban".

LA LECCIÓN MÁS IMPORTANTE

 Ahora, con la perspectiva del tiempo, en su triptico del 68, ya es posible apreciar que Luis Patrone era un artista con talento personal y que al asorber los basamentos clásicos de la pintura, ya había emprendido vuelo por un camino personal.

Con toda su experiencia creativa en pintura y con estudios de proyectos de arquitectura para edificios y estudios de casas prefabricadas para el sistema "Christian-Nielsen", en el 74, Luis Patrone decidió ir a San Pablo.

Y analiza:  "Al principio me encontré con gran entusiasmo en esa gran metrópolis.  Porque San Pablo tiene un gran ritmo si se le compara a Montevideo.  Y uno se siente con impulsos creativos por todo lo que sucede alrededor.  Pero lo que a uno le falta -o al menos me faltó a mi como inmigrante- fue el medio cultural para nutrirse.  Yo creo que la cultura se da en una forma colectiva y no en una forma individual.  Yo tenía mis grupos de intercambio en Montevideo y que he pintado en la mayoría de mis cuadros.  Porque parte de mi pintura había sido hecha en Montevideo y otra en San Pablo.  Y no digo que sea una obsesión, pero todos lo cuadros que hice han sido visiones del Montevideo que había guardado en mi memoria".

Y al decirlo, con tono emocionado, reconoce:  "Cuando vio mis cuadros Loureiro me dijo:  "¡Olvidate de San Pablo!;  tenés que ir a Montevideo y exponerlos allá".  Y vine.  Yo no sé si estoy bien o estoy mal, pero siempre me he resistido a las vanguardias, he visto muchas exposiciones en San Pablo y, cada dos años, asisto a la Bienal, y eso me ha hecho sentir miedo por las Vanguardias.  Siempre me ha interesado buscar y hacer una pintura que reflejara lo americano, porque tengo una especie de prevención por todo lo que viene de Estados Unidos o de Europa en forma de aluvión.  Y aunque sea un lenguaje simple, siempre me he preocupado por lo americano.  Esa ha sido mi preocuapción como pintor y también como arquitecto".

En este fin de siglo, a fuerza de mostrarnos lo variado, ya es difícil sino imposible hablar de los senderos de la creación artística, de escuelas, de movimientos, de vanguardias o retaguardias, ni siquiera de encrucijadas donde por un momento se producen coincidencias.

Todo parece decir "no hay caminos.  Se hace camino al andar", consume lo nuevo, lo novedoso, aunque como estrella fugaz ya esté desapareciendo...y se consume y desecha, o se desecha antes de consumir mientras se veda el tiempo de paladear.

Tenemos, eso si, guardianes que nos indican "esto es ahora" y "esto ya fue" -el sistema, como se sabe, condena hasta los productos de última generación, y los declara obsoletos aún antes del momento de envasarse para presentarlos al mercado;  tampoco nos faltan los inventores de nuestras propias necesidades.  Así lo visceral, lo íntimo, ha pasado a ser operado desde afuera, por lo otro- corporación, empresa- aunque nadie haya dado a lo que sea, su consentimiento para ello.

Entre tanto estrépito y bullicio, a lo que hasta ahora creimos que fuesen nuestros valores, los del vecino o los de quien nos atagoniza, comienzan a desaparecer... y la heroica empresa de rescatarlos, de sostenerlos, suena tan trasnochadamente melancólica, tan desesperadamente perdida, que hasta se ve absurdo intentarla.

Por esto, cuando uno ve pinturas como las de Nino Patrone, dende se funde la única tradición que ha conseguido arraigar en este país, con las audacias del movimiento MADI o el arte interactivo dándoles nuevos sentidos, comprometiéndose con sus raíces y lo humano, no puede menos que sorprenderse.

Pese a todo, existe un arte que apuesta a la elaboración del ser humano, sin más nostalgia que las que da la ausencia.