A un año de inaugurado, el Museo de Arte Precolombino e Indígena (MAPI) concreta la primera gran muestra, largamente meditada por un equipo profesional.

María Freire, 1958.

José Gamarra, 1963.

Dibujo de Juan Manuel Blanes, sin fecha.

Carlos Castellanos, c.1914.

Con un acervo de enorme interés aunque presentado en varias oportunidades con erráticos y confusos resultados, el MAPI propone Imaginarios prehispánicos en el arte uruguayo (1870-1970), una muestra de inusual envergadura. Una investigación revisionista del pasado cultural del país, sepultado por la historia oficial y que aún hoy cuesta reconocer su existencia. En tiempos de identidades líquidas, de acuerdo a los criterios asumidos por el reflexólogo Zygmunt Bauman, esta toma de conciencia hacia la incidencia del ayer indígena y precolombino a través de artistas uruguayos que lo frecuentaron en sus obras durante un siglo, es reconfortante. Al escudriñar con inteligencia y sensibilidad, contando con un presupuesto suficiente para concretar propósitos, articular diversidad de objetos y elaborar un corpus teórico serio y convincente traducido en la publicación de un catálogo-libro de indudable importancia, en su contenido y en el diseño gráfico, Olga Larnaudie, coordinadora general, asistida por numerosos, eficaces colaboradores y la indispensable imaginación de Osvaldo Reyno en el montaje, factor esencial para el logrado nivel expositivo, obtuvo un rotundo éxito.

Porque el gran atractivo de Imaginarios prehispánicos en el arte uruguayo (1870-1970) fue salir de la rutina de las muestras monográficas e indagar, con las dificultades del caso, pero superadas con destreza operativa, el panorama colectivo de artistas nacionales y su relación con el pasado, enhebrando los cabos sueltos de obras dispersas en el tiempo. Así, las inevitables referencias de Pedro Figari, el formidable instigador al estudio de las civilizaciones primeras (no siempre primitivas) y su breve pero contundente pasaje por la Escuela de Artes y Oficios, el papel de Milo Beretta y su relación con la decoración en la casa de Vaz Ferreira, los viajes por la América profunda de Carlos A. Castellanos y Francisco Matto, seguidos de sus colegas torresgarcianos (Gonzalo Fonseca, Julio Alpuy, entre los más notorios) y Norberto Berdía (insuficientemente valorado hasta hoy) junto a Joaquín Torres García que, si no conoció directamente el arte precolombino, tuvo ocasión de observarlo en los museos de Nueva York, París y Madrid, en sus diferentes estancias. Mientras, Juan M. Blanes en dibujo y pintura, y sus hijos, Nicanor y Luis, José Luis Zorrilla de San Martín (con débitos a Bourdelle) indagaban, en el campo de la escultura, con errática formulación formal y sin trascender lo anecdótico, la temática indígena.

Esas adelantadas visiones tuvieron sus prolongamientos en generaciones posteriores (Luis Mazzey, Milo Beretta, José Gurvich, María Freire, Carlos González, José Gamarra, Miguel Battegazzore, Ernesto Aroztegui, José Collel) con diferentes lenguajes (pintura, grabado, tapiz, cerámica). La exposición, al exhibir piezas escasamente conocidas por el público y agregar documentos varios, establece una sutil relación entre obras disímiles y conduce al visitante hacia la reflexión y al deslumbramiento visual. En el catálogo, Juan Flo retoma y amplía un texto publicado en 1991 en ocasión de La Escuela del Sur en el Museo Reina Sofía de Madrid, cuestiona las interpretaciones de la curadora Margit Rowell y abre el abanico de la polémica sobre Torres García. Otra factor más para hacer de Imaginarios prehispánicos en el arte uruguayo (1870-1970) una muestra memorable, absolutamente indispensable de ver y estimar.

UNESCO Courier,  July, 1984  by Edouard Glissant  

MATTA is an artist who escapes the controversy between abstract and figurative art, slipping out of the debating chamber and dissolving like a wraith in the bluish haze with which so many of his greatest works are suffused. And if what he paints has not the immediacy of the real, neither is it a sketchplan or a diagram of something that exists. I would go so far as to say that Matta is forever painting the pulsation of life.

Depth in Matta's painting is achieved by a projecion forward in front of the canvas of pictural space, a proscenium which saw his first attmpts to render visible the convulsion of modern thought: the disintegration of old systems of logic, the vertiginous flights of Eros, resistance against tyrannies, the unshackling of the "Savage Mind."

Is it possible to "paint", not states of mind, but the very functioning of the mind or, going still further, that fabulous gamble the "complete man", reconciled with all forms of humanity, finding in them his own being and fulfilment.

Matta's painting shows us that it can be done. What we find in them is the movement that fuels our most personal upsoarings and consolidates the roots we share most widely with others. Planes that combine or resist each other on the canvas, spirals of discovery, explosions of revealed incompatibilities, condensation into new stars of our most intense convictions--here matter joins company with and follows the dynamism of the spirit. Matta does not paint "things", he illuminates trajectories.

This is an aritst who forever seeks to find out and demonstrate "how things work". Not merely, like an architect reflecting on his work, how it is constructed, but how it really functions. Can we, for example, gauge or even begin to comprehend the vast ferment of cultures reacting and interacting with each other today" We have no guide or blueprint to judge by; but does this mean that we should renounce all attemps to read the Book of Destiny? Matta's paintings raise questions such as these and show us that there is no halting the spectacle of life.

This is thoroughly modern painting, aloof form conventional quarrels, investigative, always in movement; we know that it has its origins in the ancient wisdom of the Andes, but already it is exploring unknown regions that humanity is projecting on the forefront of the proscenium stage of history.

SEGUI  

THE art of Antonio Segui has affinities with the art of prose, the obstinacy and ruggedness of which Segui adopts to probe reality and bring out its raw qualities.

It has often been said that colonial Baroque resulted from a superabundance of being. The artist took pleasure, a mischievous pleasure perhaps, in showing that he was capable of rendering to excess what he was expected to express: catholicity, civilization, flamboyant rhetoric.

In the case of Segui, we are without any doubt in the presence of another kind of Baroque, which does not strive towards the overelaboration of being but tracks it down behind its masquerades and gesticulations. The aim is to discover our true nature, or what is left of it, perhaps, when it is divested of the shabby finery imposed upon it. paradoxically, it is the shabby finery that Segui shows us, so that we can guess at what is hidden beneath.

In all the different stages of Segui's painting, stages which follow each other with mounting speed, we find the forms of this Baroque, constantly renewed. Rickety towns, overrun towns, prostrte passers-by, leering catastrophes, smashed dolls, clothes for scarecrows, but also the emotion diffused by the light of a streetlamp, the warm colour of a single tree, the word of a rainbow, the sun of a man's step. In other words, the everyday, which pares away our pretensions or alienations and reassures or consoles us at the same time.

The unexpected thing is thus that in Segui's work the obstinacy and ruggedness are full of an unfailing charm. This prose is also poetry which navigates in the depths. Segui paints that which perverts our nature and makes us strangers to our truth, but also everything that carries us away, secretly nourished by an inner sum, in the tango of tenderness.

LAM  

THE art of Wilfredo Lam involves a double objective: to seek out and bring into relief the forms secreted by a very concrete reality, that of his native island, and at the same time to draw attention to the cultural predicament in which we find ourselves today and which demands a contribution from each one of us.

Lam's first concern was to fill the canvas; its poetry lies not in the tree but in the profusion of vegetation, verticals surging from the memory, exploding into an island-space-filling jungle. African forms are revived, not through cliche-clouded eyes, but in all their vital inner mobility--triangles wide-eyed with astonishment forming lozenge-shaped bucklers, burgeoning ears of moon-horned gram; and those anatomical anthologies--obduracy of feet round which the soil seems to lap like water, the Sumerian slant of the torso inclined towards a divinity to impart a secret. 

La représentation artistique uruguayenne qu'envoie la Commission Nationale des Beaux-Arts à cette nouvelle Biennale de Paris, sera composée des peintres Jorge Amendola Verdie, Jorge Damiani, José Gamarra et Hugo Nantes. II s'agit de quatre personnalités de valeur, parmi les jeunes, qui ont pris conscience des problèmes de l'art actuel, en cherchant avec l'appui d'un métier chaque fois plus solide, un langage propre dans l'immense et vaste concert de l'universalité. Amendola Verdie est la plus jeune et sa peinture spontanée donne une impression de franchise et de vitalité dans une attitude spirituelle directe et fluide. Damiani et Gamarra ont déjà participé à la sélection de notre pays à la VIIème Biennale de San Pablo. Nous montrons ici les dernières réalisations du premier, dans lesquelles il révèle sa nouvelle conception de la forme sévère et prédominante, en un dia-logue puissant ou règne le vide silencieux. Gamarra fait pencher son éloquence symboliste vers le discours sensible des signes et des formes avec lesquelles il décrit toute sa puissance imaginative, dans une esthétique d'évocation archaïque, ancestrale, avec des images animées et lyriques. Hugo Nantes, peintre figuratif, nous apporte, avec ses têtes statiques et muettes, la note expressionniste suggérée avec humanisme et douceur, en une synthèse du mouvement et du dessin avec une tonalité chaude et une atmosphère de trans-cendance poétique.

Jorge Paez Vilaro
Secrétaire de la Commission Nationale des Beaux-Arts

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Section arts plastiques
Peinture et dessin

Jorge Amendola Verdie
Né en 1938 é Montevideo (Uruguay)
Atlantique, 1963 (huile, 70x100)
Point Cardinal, 1963 (huile, 100x70)

Jorge Damiani
Né en 1931 à Gênes (Italie)
Imposition 1, 1960 (huile, 84x109)
Imposition II, 1960 (huile, 84x109)

Jose Gamarra
Né en 1934 à Tacuarembo (Uruguay)
Peinture M.63520,1963 (techniques diverses, 100x130)
Peinture M.63521,1963 (techniques diverses, 125x150)

Hugo Nantes
Né en 1932 à San Jose (Uruguay)
Figure 1, 1962 (huile, 50x40)
Figure 2, 1962 (huile, 50x40)